La peinture historique

peinture historique

La peinture d'histoire est un genre dans la peinture définie par sujet plutôt que d'un style artistique, représentant un moment dans un récit narratif, plutôt que d'un objet statique examiné comme un portrait. Les dérives à long terme des sens contradictoires du mot en latin et en italien historia, et signifie essentiellement «histoire peinture", plutôt que de la peinture de scènes de l'histoire dans son sens étroit du terme en anglais moderne, la période pour laquelle la peinture d'histoire peuvent être utilisées, en particulier pour l'art du 19ème siècle. Il ya presque toujours un certain nombre de chiffres indiqués, souvent un grand nombre.

Les représentations de moments dans les récits religieux, surtout la vie du Christ, sont inclus dans la définition, comme le sont les scènes narratives de la mythologie, et ces deux groupes ont longtemps été le peint le plus souvent; travaille examinés dans le plafond de Michel-Ange Chapelle Sixtine sont donc la peinture d'histoire , car la plupart sont de très grands tableaux avant le 19ème siècle. Essentiellement, le terme recouvre de grandes peintures à l'huile sur toile ou sur la fresque réalisée entre la Renaissance et la fin du 19e siècle, le terme est générique rallye après quoi pas utilisé, même pour les nombreuses œuvres qui répondent à la définition de base silencieuse.

La peinture d'histoire était traditionnellement le plus élevé considéré comme une forme de la peinture occidentale, occupant la place la plus prestigieuse dans la hiérarchie des genres, et considéré comme l'équivalent de l'épopée dans la littérature. Difficile dans son Della Pictura de 1436, Leon Battista Alberti avait fait valoir que plusieurs chiffres peinture était l'histoire forme la plus noble de l'art, comme étant le plus, ce qui nécessitait la maîtrise de tous les autres, parce que c'était une forme visuelle de l'histoire, et parce que il avait le plus grand potentiel pour déplacer le spectateur. Il a mis l'accent sur la capacité à représenter les interactions entre les chiffres par le geste et l'expression. Ce point de vue resté générale jusqu'à ce que le 19ème siècle, lorsque les mouvements artistiques ont commencé à lutter contre les institutions mise en place de l'art académique, qui a continué à y adhérer . Dans certains contextes, 19e siècle ou 20e, le terme peut se référer spécifiquement à la peinture de scènes de l'histoire séculaire, plutôt que ceux de récits religieux, la littérature ou la mythologie.

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Peinture animalière : peinture representative des animaux

Peinture animalière

Peinture animalière

Un peintre animalier est un artiste qui se spécialise dans ou connus pour leur talent dans la représentation d'animaux, essentiellement jusqu'à environ 1900. Au cours du siècle dernier "artiste animalier" est devenu le terme préféré des peintres d'animaux contemporains.
Surtout dans le 17ème siècle, peintres animaliers serait collaborent souvent avec d'autres artistes, qui peignent soit le sujet principal dans une histoire ou d'une pièce mythologique, ou l'arrière-plan du paysage dans un décor. Frans Snyders, un des fondateurs de la tradition de la peinture baroque des animaux, souvent à condition que les animaux, et aussi des natures mortes de nourriture, de Peter Paul Rubens, un spécialiste paysage différent pourrait fournir l'arrière-plan. A l'âge d'or hollandais tels spécialistes ont tendance à produire des peintures de genre en se concentrant sur les petits leur spécialité. Peintres animaliers venus bas dans la hiérarchie des genres, mais les meilleurs peintres de faire vivre une très bonne; de nombreux mécènes royaux et aristocratiques étaient plus intéressés par leur sujet que des genres les plus prestigieux. Principalement en Angleterre, il y avait encore plus spécialisés peintres du 18ème siècle qui a réalisé des portraits de chevaux de course et des spécimens de prix du bétail, alors qu'en France les sujets d'origine animale ont continué d'être caprices décoratifs souvent disposées autour statuaire de jardin.
Animalier comme un substantif pluriel collectif, ou bronzes animaliers est aussi un terme d'antiquités pour les petits sculptures en particulier, mais aussi des peintures, des animaux, dont un grand nombre ont été produites, souvent produit en masse, au 19e siècle en France et ailleurs. Bien que de nombreux exemples précédents peuvent être trouvés, la sculpture animalier est devenu plus populaire, et de bonne réputation, en début du 19ème siècle, Paris avec les œuvres d'Antoine-Louis Barye (1795-1875), pour qui le terme a été inventé, de façon décisive, par la critique en 1831. [1] [2] par le milieu du siècle-, un goût pour les sujets animaux était très répandue parmi toutes les sections des classes moyennes.

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peinture baroque

peinture baroque

Peinture baroque tableau

l'art devient un moyen de persuader l'Eglise catholique pour atteindre cet objectif ambitieux, l'art doit avoir la capacité de séduire, se déplacer, prendre un avant-goût, non par l'harmonie de la Renaissance, mais par l'expression d'émotions fortes.
L'appel viscéral de style baroque provient d'une implication directe des sens. Dans la peinture baroque il y avait du stress et de l'intelligence subtile aussi raffiné que dans le maniérisme.

L'art baroque a commencé à prendre forme dans la peinture est essentiel, héroïque, classique, Annibale Carracci, qui à son tour a trouvé l'inspiration à l'artiste que les critiques considèrent comme précurseur essentiel et vrai de l'art baroque, Antonio Allegri Corrège, un autre précédent important Federico Barocci d'Urbino
Après au moins deux siècles d'art et de culture italienne qui étaient des phares de l'ensemble du continent, le dossier commence à décliner et le baroque, en quelque sorte, représente une finale, chant du cygne spectaculaire et importante. Le style architectural est né à Rome, la Ville Eternelle, qui a atteint son point culminant, le paysage va changer au cours du siècle de toutes les villes européennes, de sorte à peindre des chemins stylistiques ouvertes à Rome, Bologne et Venise, sont suivies et poussé à l'extrême par les peintres étrangers, tels que Rembrandt, El grec, Diego Velázquez, et ils vont se former dans leur pays d'écoles d'art influents qui vont changer de façon permanente, et le concept même d'une œuvre d'art. Elle était à Rome pour rivaliser avec la puissance artistique au delà des Alpes, et même Rome est le gigantesque laboratoire des tendances culturelles qui s'irraggiano puis dans toute l'Europe. Mais il serait erroné de voir le baroque comme une sorte de synonyme de siècle dans lequel il a grandi, le dix-septième siècle, ce style est vraiment juste un des courants stylistiques qui s'est étendue sur plusieurs décennies, certainement le plus important, mais pas le seul.



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Cubisme : Mouvement artistique Pablo Picasso

 Le cubisme

Cubisme : Mouvement artistique Pablo Picasso

Le cubisme est un mouvement artistique développé entre 1907 et 1914, né en France et dirigé par Pablo Picasso, Georges Braque et Juan Gris. c'est une tendance qui a été conduite jusqu'au reste de l'avant-garde européenne du XXe siècle. c'est la rupture avec la peinture traditionnelle.

Le terme cubisme a été inventé par le critique français Louis Vauxcelles, le même qui avait baptisé le motejándolos Fauves du Fauve (bêtes sauvages), dans le cas de Braque et de peintures de l'Estaque, Vauxcelles dit, méprisant, qui était une peinture faite par «petits cubes». Et l'origine du concept de «cubisme».

Le Cubisme est considéré comme le premier avant-gardiste, car il rompt avec la renaissance du statut final de courant dans la perspective début du XXe siècle. Dans les peintures cubistes, la perspective traditionnelle disparaîssent. Essayer les formes de la nature à travers des formes géométriques, des lignes et des surfaces fragmentées. ce qu'on appelle «multiple perspective» représente toutes les parties d'un objet dans un plan.

Avec toutes ces innovations, l'art accepte la condition de l'art, et permet cette condition qui est une partie intrinsèque de celui-ci. L'image devient soi comme un objet indépendamment de ce qu'ils représentent.

Le travail qui en résulte est difficile à comprendre.

Le maniérisme ou l'art maniériste, la renaissance tardive

Le maniérisme ou l'art maniériste, la renaissance tardive

l'art maniériste

 

Le maniérisme terme (italien maniera ) a d'abord été utilisé en 1792 par un historien italien Luigi Lanzi et repris plus tard par Jacob Burckhardt à nouveau. Il a été évoqué en histoire de l'art, sous la forme de transition entre la Renaissance et le Baroque en peinture, l'architecture, la sculpture, la musique et la littérature.

En plus de l'importance historique et artistique, le terme maniérisme a été également utilisé universellement, et a ensuite fait référence à une action ou une attitude, aussi forcée («manières»), peut être considéré comme pathétique ou emphatique.

L'art maniériste a surgi à l'époque de 1520 (la mort de Raphaël) jusqu'en 1600, cette période a duré en France de 1550 à 1610, pour la Flandre, les Pays-Bas et en Allemagne à partir de 1560 à environ 1610e Les œuvres littéraires peuvent être généralement classés comme maniériste, si elles sont entre le milieu du 16ème Siècle et en 1630 a émergé.

Giorgio Vasari, maintenant classé comme un maniériste, décrit le style de la fin des années Michel-Ange, à partir de laquelle même son propre herleitete maniera moderna, le Vénitien Pietro Aretino appelé la réalisation de l'authenticité artistique maniera nuova. Dans l'histoire de l'art le maniérisme a été introduit et popularisé par Jacob Burckhardt, entre autres, Gustav René Hocke la première fois en 1958 publié un livre, Le Monde comme un labyrinthe.

En général, le maniérisme est caractérisé par un abandon à partir des compositions harmonieuses et équilibrées de la Haute Renaissance dans une époque de bouleversements.


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