Peinture animalière : peinture representative des animaux

Peinture animalière

Peinture animalière

Un peintre animalier est un artiste qui se spécialise dans ou connus pour leur talent dans la représentation d'animaux, essentiellement jusqu'à environ 1900. Au cours du siècle dernier "artiste animalier" est devenu le terme préféré des peintres d'animaux contemporains.
Surtout dans le 17ème siècle, peintres animaliers serait collaborent souvent avec d'autres artistes, qui peignent soit le sujet principal dans une histoire ou d'une pièce mythologique, ou l'arrière-plan du paysage dans un décor. Frans Snyders, un des fondateurs de la tradition de la peinture baroque des animaux, souvent à condition que les animaux, et aussi des natures mortes de nourriture, de Peter Paul Rubens, un spécialiste paysage différent pourrait fournir l'arrière-plan. A l'âge d'or hollandais tels spécialistes ont tendance à produire des peintures de genre en se concentrant sur les petits leur spécialité. Peintres animaliers venus bas dans la hiérarchie des genres, mais les meilleurs peintres de faire vivre une très bonne; de nombreux mécènes royaux et aristocratiques étaient plus intéressés par leur sujet que des genres les plus prestigieux. Principalement en Angleterre, il y avait encore plus spécialisés peintres du 18ème siècle qui a réalisé des portraits de chevaux de course et des spécimens de prix du bétail, alors qu'en France les sujets d'origine animale ont continué d'être caprices décoratifs souvent disposées autour statuaire de jardin.
Animalier comme un substantif pluriel collectif, ou bronzes animaliers est aussi un terme d'antiquités pour les petits sculptures en particulier, mais aussi des peintures, des animaux, dont un grand nombre ont été produites, souvent produit en masse, au 19e siècle en France et ailleurs. Bien que de nombreux exemples précédents peuvent être trouvés, la sculpture animalier est devenu plus populaire, et de bonne réputation, en début du 19ème siècle, Paris avec les œuvres d'Antoine-Louis Barye (1795-1875), pour qui le terme a été inventé, de façon décisive, par la critique en 1831. [1] [2] par le milieu du siècle-, un goût pour les sujets animaux était très répandue parmi toutes les sections des classes moyennes.

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Le Musée Petrie d'archéologie égyptienne

Le Musée Petrie d'archéologie égyptienne 

Le Musée Petrie d'archéologie égyptienne

Le Musée Petrie d'archéologie égyptienne à Londres fait partie des musées de la University College London & Collections. Le musée contient plus de 80.000 objets et se classe parmi les leaders des collections mondialesde l'Egypte et du matériel Soudanais. 

Le Musée Petrie d'archéologie égyptienne  se classe juste derrière le Musée du Caire, le British Museum et le Musée Ägyptisches, Berlin, en nombre de collection.

La collection contient une des premières pièces de linge en provenance d'Égypte (environ 5000 avant J.-C.), deux lions du temple de Min à Coptos, à partir du premier groupe de la sculpture monumentale (environ 3000 avant JC), un fragment du calendrier kinglist (environ 2900 avant J.-C.), le plus ancien exemple de métal à partir de l'Egypte, les premières perles de fer travaillées, le plus ancien exemple de vitrage; plus tôt "sceau-cylindre" en Egypte (environ 3500 avant JC), les plus anciens testaments sur papyrus papier; les plus anciens papyrus gynécologiques; les papyrus vétérinaires de l'Égypte ancienne, et le plus grand dessin d'architecture, montrant un sanctuaire (environ 1300 avant JC).

 En plus de la «plus ancienne robe" il ya une robe beadnet unique d'un danseur de la Pyramide des âges (environ 2400 avant J.-C.), deux longues robes à manches longues de la même date, une armure du palais de Memphis, ainsi que des chaussettes et des sandales de l'époque romaine. La collection contient des œuvres d'art de la ville d'Akhenaton à Amarna: tuiles colorées, des sculptures et des fresques, de nombreuses autres importantes colonies, égyptien et libyen et les lieux de sépulture. Le musée abrite la plus grande collection au monde de portraits de momies romaines période (premier à siècles de notre ère seconde).

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Franceschi Piero di Benedetto  communément connu sous le nom de Piero della Francesca (Borgo Sansepolcro, 1416/1417 environ - Borgo Sansepolcro, 12 Octobre 1492) était un peintre et mathématicien italien.
Parmi les figures les plus emblématiques de la Renaissance italienne, était un membre de la deuxième génération de peintres-humanistes. Ses œuvres sont magnifiquement en équilibre entre l'art, la géométrie et de questions théologiques, philosophiques et d'actualité. Il a été en mesure d'harmoniser, dans la vie comme dans les œuvres, les valeurs intellectuelles et spirituelles de son temps, avec multiples influences et de médiation entre tradition et modernité, entre le religieux et les revendications nouvelles de l'humanisme, entre la rationalité et de l'esthétique.

Son travail a établi un lien entre la perspective géométrique par Brunelleschi, la plasticité de Masaccio, la plus haute lumière qui éclaire les ombres et sature les couleurs de Fra Angelico et Domenico Veneziano, la description précise et attentive à la réalité des Flamands. Les autres fonctionnalités clés de son expression poétique est simplifiée : compositions géométriques des deux volumes, l'immobilité des gestes cérémoniels, de l'attention à la vérité humaine.
Son activité peut certainement être considérée comme un processus qui va de la pratique de la peinture, les mathématiques et la spéculation mathématique abstraite. Sa production artistique, avec l'extrême rigueur de la perspective de la recherche, de monumentalité plastique des figures, en fonction de l'utilisation expressive de la lumière, profondément influencé par la peinture de la Renaissance en Italie du Nord et, en particulier, les écoles de Ferrare et de Venise


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peinture baroque

peinture baroque

Peinture baroque tableau

l'art devient un moyen de persuader l'Eglise catholique pour atteindre cet objectif ambitieux, l'art doit avoir la capacité de séduire, se déplacer, prendre un avant-goût, non par l'harmonie de la Renaissance, mais par l'expression d'émotions fortes.
L'appel viscéral de style baroque provient d'une implication directe des sens. Dans la peinture baroque il y avait du stress et de l'intelligence subtile aussi raffiné que dans le maniérisme.

L'art baroque a commencé à prendre forme dans la peinture est essentiel, héroïque, classique, Annibale Carracci, qui à son tour a trouvé l'inspiration à l'artiste que les critiques considèrent comme précurseur essentiel et vrai de l'art baroque, Antonio Allegri Corrège, un autre précédent important Federico Barocci d'Urbino
Après au moins deux siècles d'art et de culture italienne qui étaient des phares de l'ensemble du continent, le dossier commence à décliner et le baroque, en quelque sorte, représente une finale, chant du cygne spectaculaire et importante. Le style architectural est né à Rome, la Ville Eternelle, qui a atteint son point culminant, le paysage va changer au cours du siècle de toutes les villes européennes, de sorte à peindre des chemins stylistiques ouvertes à Rome, Bologne et Venise, sont suivies et poussé à l'extrême par les peintres étrangers, tels que Rembrandt, El grec, Diego Velázquez, et ils vont se former dans leur pays d'écoles d'art influents qui vont changer de façon permanente, et le concept même d'une œuvre d'art. Elle était à Rome pour rivaliser avec la puissance artistique au delà des Alpes, et même Rome est le gigantesque laboratoire des tendances culturelles qui s'irraggiano puis dans toute l'Europe. Mais il serait erroné de voir le baroque comme une sorte de synonyme de siècle dans lequel il a grandi, le dix-septième siècle, ce style est vraiment juste un des courants stylistiques qui s'est étendue sur plusieurs décennies, certainement le plus important, mais pas le seul.



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Cubisme : Mouvement artistique Pablo Picasso

 Le cubisme

Cubisme : Mouvement artistique Pablo Picasso

Le cubisme est un mouvement artistique développé entre 1907 et 1914, né en France et dirigé par Pablo Picasso, Georges Braque et Juan Gris. c'est une tendance qui a été conduite jusqu'au reste de l'avant-garde européenne du XXe siècle. c'est la rupture avec la peinture traditionnelle.

Le terme cubisme a été inventé par le critique français Louis Vauxcelles, le même qui avait baptisé le motejándolos Fauves du Fauve (bêtes sauvages), dans le cas de Braque et de peintures de l'Estaque, Vauxcelles dit, méprisant, qui était une peinture faite par «petits cubes». Et l'origine du concept de «cubisme».

Le Cubisme est considéré comme le premier avant-gardiste, car il rompt avec la renaissance du statut final de courant dans la perspective début du XXe siècle. Dans les peintures cubistes, la perspective traditionnelle disparaîssent. Essayer les formes de la nature à travers des formes géométriques, des lignes et des surfaces fragmentées. ce qu'on appelle «multiple perspective» représente toutes les parties d'un objet dans un plan.

Avec toutes ces innovations, l'art accepte la condition de l'art, et permet cette condition qui est une partie intrinsèque de celui-ci. L'image devient soi comme un objet indépendamment de ce qu'ils représentent.

Le travail qui en résulte est difficile à comprendre.

Le Musée des Beaux-Arts de Rouen

Le Musée des Beaux-Arts de Rouen

Le Musée des Beaux-Arts de Rouen est un musée d'art au cœur de la ville française de Rouen. Le bâtiment a été rénové et complété en 1994. L'art des XVIIIe et XIXe siècles est particulièrement bien représenté. Son directeur actuel est Laurent Salomé.
Rassembler une collection de peintures, sculptures, dessins et objets d'art du XVe siècle à nos jours, y compris une collection rare d'icônes russes du XVIe au XIXe siècle (début).
Le musée possède également un groupe exceptionnel de peintures de la donation de François Depeaux (1909), qui sont à l'avant-garde des musées de province de France avec des œuvres impressionnistes.
Le Cabinet des Dessins compte plus de 8000 pièces de la Renaissance au XXe siècle. Le musée accueille également des expositions temporaires ainsi que des expositions d'art contemporain. Les collections permanentes sont affichés dans 60 salles. En 2007, le budget d'approvisionnement s'élève à 150 000 euros par an. Le musée reçoit des fonds de commandite. En 2006, le musée a présenté huit expositions, y compris les "chefs-d'œuvre des musées de Florence», qui a augmenté le nombre de visiteurs de 87 000 à 154 000.



Musée de l'Ermitage le plus grand musée du monde Saint-Pétersbourg
Gueorgui Chichkine artiste peintre Russe
Le maniérisme ou l'art maniériste, la renaissance tardive
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Musée de l'Ermitage le plus grand musée du monde Saint-Pétersbourg

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Musée de l'Ermitage le plus grand musée du monde Saint-Pétersbourg

L'Hermitage, Hermitage State Museum officiellement en russe: [?] Государственный Музей Эрмитаж Gosudarstvennyj Zemaljski Ermitaž Est en Russie à Saint-Pétersbourg, sur lungoneva Dvorcovaja et abrite l'une des collections d'art les plus importantes dans le monde, le bâtiment était à l'origine une partie importante du palais impérial qui abritait la famille depuis deux siècles de tsars Romanov, jusqu'en 1917, l'année du début de la Révolution d'Octobre.
Le musée a abrité des expositions de nombreux auteurs, y compris le Caravage, Francisco Casanova, Paul Cézanne, Léonard de Vinci, Jacques-Louis David, Edgar Degas, Paul Gauguin, Fra Filippo Lippi, Henri Matisse, Claude Monet, Pablo Picasso, Pierre-Auguste Renoir, Rembrandt, Peter Paul Rubens, Titien, Van Gogh, Jacob van Ruisdael, Diego Velázquez, Paolo Pagani.

le nom de l'Hermitage, indique que le complexe architectural comprend plusieurs bâtiments construits dans les XVIIIe et XIXe siècles:
le Palais d'Hiver (1754-1762), conçu par Bartolomeo Rastrelli
le Petit Ermitage (1764-1775), par Jean-Baptiste Vallin de la Mothe et Yury Velten
La Grande-Hermitage, Hermitage a également appelé Vieux (1771-1787), conçue par Yuri Velten
Le Nouvel Ermitage (1839-1851) réalisé par Leo von Klenze
le théâtre de l'Ermitage (1783-1789), conçue par Giacomo Quarenghi.
Le Palais d'Hiver a commencé comme une résidence royale. Erigée pour l'impératrice Elisabeth de Russie, ne fut achevée après sa mort. Catherine la Grande a été le véritable créateur du musée. Suivant au Palais d'Hiver, pour échapper à l'agitation de la cour, en 1764 l'impératrice voulait se construire une petite cabane et lui donna le nom de Petit Ermitage gracieuse.
Dans West Hollywood, Catherine s'est entourée d'œuvres d'art achetés dans les marchés européens, les chambres étaient à l'origine autorisée uniquement à quelques privilégiés. Par la suite, la collection a grandi énormément et il était nécessaire de construire d'autres bâtiments pour pouvoir accueillir, par conséquent, l'Ermitage s'est référé à l'ensemble du complexe de cinq bâtiments listés en premier.
Aujourd'hui, le Musée de l'Ermitage va bien au-delà de ces cinq bâtiments, occupant une partie du Palais de l'état-major général, toujours sur la Place du Palais, le palais Menchikov, le Musée de la Manufacture de porcelaine impériale de porcelaine à l'exposition permanente au le palais de Strelna, le dépôt de Staraya Dérévnia, qui tire son nom de la station de métro.
Il ya aussi des endroits dans d'autres villes: Las Vegas, Amsterdam, Kazan et à Londres. Enfin, il ya un projet appelé Ermitage en Italie [1] qui a conduit à l'ouverture dans la ville de Ferrare un centre de recherche et d'étude pour cataloguer les opéras italiens de l'Ermitage, le résultat d'un accord entre le Musée et la province de Ferrara.


Musée de l'Ermitage le plus grand musée du monde Saint-Pétersbourg
Gueorgui Chichkine artiste peintre Russe
Le maniérisme ou l'art maniériste, la renaissance tardive
Le Musée des Beaux-Arts de Rouen
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Gueorgui Chichkine artiste peintre Russe

Gueorgui Chichkine artiste peintre Russe

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Né le 25 Janvier 1948 à Ekaterinbourg (anciennement Sverdlovsk) en Russie dans une famille de que musicien et violoniste.. Depuis six ans, il fréquenta l'école de musique, a étudié à l'Ecole d'Art. Depuis 1974, il a participé à de nombreuses expositions en Russie, régionales et nationales. La même année, il a remporté un concours national de créativité chez les jeunes et est invité à assister à une exposition à Moscou. Diplômé en 1975 de l'Académie Nationale des Beaux-Arts et l'architecture de sa ville natale, qui sera un professeur de 1978 à 1988, pendant trois ans est un architecte et décorateur d'intérieur.

Il a créé le musée à l'intérieur de l'Opéra national académique et Ballet Theater à Ekaterinbourg, qui comprend l'espace-console de conception avec des expositions, deux peintures murales et une galerie de portraits d'artistes célèbres. En 1985, il est devenu membre de l'Union Peintres de la Russie. Participe à des expositions internationales depuis 1989.  Le voyage à Paris (1993) et Monaco (1995) a donné un nouvel élan pour la poursuite de la série "Rêves russes". En 1996, il est devenu un membre des peintres en bâtiment à Paris. En 1998, il a participé à une exposition internationale d'art contemporain à Monaco avec une peinture «Hommage à Ballets russes de Diaghilev". Il est devenu le gagnant du grand prix du Fonds Taylor en 1999.
Après avoir expérimenté avec beaucoup de techniques différentes, est aujourd'hui exprimé préférentiellement à travers les pastels tendres. Il a développé une technique pour la préparation de soutien pour les pastels.
Ses œuvres se trouvent dans divers musées et collections privées dans de nombreux pays: au Palais du Prince de Monaco, dans la collection du ténor Luciano Pavarotti, dans celui de la reine Elizabeth II du Royaume-Uni. Il a créé une série de peintures d'intérieurs de l'Palazzo Reale à Abu Dhabi sur la Sheikh Zayed bin Sultan Al Nahyan Conseil, ancien président des Emirats arabes unis.
Il a également participé à de nombreuses collectes de bienfaisance en faveur des enfants et les malades, en particulier les Russes.
Invité en 2005 pour concevoir les timbres de Monaco, où il a vécu depuis 1998, a remporté un concours pour le portrait du Prince Albert II de Monaco.
Aussi à Monaco a conçu un timbre spécial sur le 50 e anniversaire de Boris Pasternak du Prix Nobel pour ses "Docteur Jivago" de nouveaux..
En mai 2009, Monaco a émis deux timbres sont «Centenaire des Ballets Russes de Diaghilev" , créé par Georgy Siskin (Gueorgui Chichkine).


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Le maniérisme ou l'art maniériste, la renaissance tardive

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l'art maniériste

 

Le maniérisme terme (italien maniera ) a d'abord été utilisé en 1792 par un historien italien Luigi Lanzi et repris plus tard par Jacob Burckhardt à nouveau. Il a été évoqué en histoire de l'art, sous la forme de transition entre la Renaissance et le Baroque en peinture, l'architecture, la sculpture, la musique et la littérature.

En plus de l'importance historique et artistique, le terme maniérisme a été également utilisé universellement, et a ensuite fait référence à une action ou une attitude, aussi forcée («manières»), peut être considéré comme pathétique ou emphatique.

L'art maniériste a surgi à l'époque de 1520 (la mort de Raphaël) jusqu'en 1600, cette période a duré en France de 1550 à 1610, pour la Flandre, les Pays-Bas et en Allemagne à partir de 1560 à environ 1610e Les œuvres littéraires peuvent être généralement classés comme maniériste, si elles sont entre le milieu du 16ème Siècle et en 1630 a émergé.

Giorgio Vasari, maintenant classé comme un maniériste, décrit le style de la fin des années Michel-Ange, à partir de laquelle même son propre herleitete maniera moderna, le Vénitien Pietro Aretino appelé la réalisation de l'authenticité artistique maniera nuova. Dans l'histoire de l'art le maniérisme a été introduit et popularisé par Jacob Burckhardt, entre autres, Gustav René Hocke la première fois en 1958 publié un livre, Le Monde comme un labyrinthe.

En général, le maniérisme est caractérisé par un abandon à partir des compositions harmonieuses et équilibrées de la Haute Renaissance dans une époque de bouleversements.


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